Инсталляция

10 художников которые довели жанр до совершенства

Инсталляции

Часто специфичные для конкретного места и иногда встречающиеся в общественных местах, границы того, что представляет собой инсталляционное искусство, были размыты с самого его создания как художественного жанра. Хотя искусство инсталляции широко варьируется, его лучше всего рассматривать как общий термин для трехмерных работ, которые направлены на преобразование восприятия пространства аудиторией. Иногда временные, иногда постоянные инсталляционные произведения искусства были построены в пространствах, начиная от художественных галерей и музеев до общественных площадей и частных домов, и часто окутывают зрителя во всеобъемлющей среде или в пространстве самой работы. Инсталляционное искусство развивалось в основном во второй половине двадцатого века (хотя были явные предшественники), поскольку развивались как минимализм, так и концептуальное искусство, кульминацией которых стали инсталляции, в которых идея и опыт были важнее самой готовой работы. Смотрите художников ниже, все из которых внесли уникальный вклад в диалог об искусстве инсталляции и о том, как его следует определять.

1. Курт Швиттерс

Наиболее известен коллажами, сделанными из бумажных обрезков, дерева, рекламы и всего остального, что он мог получить в свои руки; Дада-художник 20-го века Курт Швиттерс (1887-1948) в конечном итоге превратил свою собственную художественную студию в коллажированную художественную инсталляцию. Его студийная инсталляция под названием Merzbau была основана на художественном процессе, который Швиттерс объяснил как философию и образ жизни под брендом «merz». Мерц был бессмысленным словом, которое художник использовал для описания себя, своей жизни и своей работы, что означало, что его Мерцбау был, по сути, его мерц-билдингом. С годами его студия приняла форму коллажа, постоянно меняющегося и постоянно растущего, состоящего из колонн и сталагмитов найденных предметов. Швиттерс со временем вырастил свой Мерцбау, в конечном итоге поглощая восемь комнат в своем доме в Ганновере примерно с 1923 по 1937 год, когда он был вынужден бежать в Норвегию, чтобы бежать от нацистской Германии. К 1943 году, когда он все еще находился в изгнании, Мерцбау был разрушен бомбардировкой союзников, что фактически сделало произведение искусства Швиттерса зависящим от времени.

2. Яёи Кусама

Мгновенно узнаваемая и чрезвычайно знаковая, серия «Комнаты бесконечности» Яёи Кусамы (1929-) захватила воображение ее аудитории с 1965 года с ее прорывной «Зеркальной комнатой бесконечности — полем Фалли». Используя зеркала в качестве стен, Кусама смогла перевести повторение своих ранних работ в художественную инсталляцию, казалось бы, бесконечную комнату, покрытую фаллическими структурами ткани в горошек. С 1965 года она создала более двадцати различных Infinity Mirror Rooms от коробок, напоминающих пип-шоу, которые зрители видят снаружи, до более крупных мультимедийных инсталляций, полных внутренне зеркальных надутых горошек. Возможно, фаворитом фанатов среди музейных влиятельных лиц в социальных сетях являются наполненные светом инсталляции Кусамы, такие как Infinity Mirrored Room — Aftermath of Obliteration of Eternity, в которой представлены сотни висящих фонарей и вымощенные водой. Используя магию зеркал, работа Кусамы способна обмануть чувства и создать поэтические художественные инсталляции, которые говорят о наших самых человеческих реакциях, создавая среду для экзистенциального созерцания.

3. Марсель Брудтерс

Ровно год, с 27 сентября 1968 года по 27 сентября 1969 года, бельгийский поэт, ставший художником-сюрреалистом Марсель Брудтерс (1924-1976), управлял музеем Musée d’Art Moderne, Département des Aigles (перевод: Музей современного искусства, Отдел орлов). Этот музей, а точнее, художественная инсталляция, проходил в его собственном доме в Брюсселе и состоял из нескольких различных элементов; среди которых были открытки, лестница и многочисленные пустые ящики. Насмешливое заявление о подлинности и роли искусства и музеев в обществе его Musée d’Art Moderne, Département des Aigles закончилось поездками в другие места в виде различных отделов. Таким образом, власть студенческих протестов (во время которых была задумана инсталляция) принесла силу по всей Европе.

4. Гордон Матта-Кларк

С глубоким пониманием важности архитектуры как отражения доминирующих социальных структур, художественная инсталляция американского художника Гордона Матта-Кларка 1974 года «Расщепление» была актом городского протеста. С марта по июнь 1974 года Матта-Кларк использовал бензопилу, чтобы эффективно разделить дом в Нью-Джерси, приобретенный его дилером Холли Соломон и запланированный к сносу из-за спекуляции землей. После внезапного выселения предыдущих владельцев Матта-Кларк был поражен поспешностью, с которой они оставили свои вещи, вдохновив его на хронику его расщепления изнутри дома наружу через пленку. Этот фильм показывает фрагментацию домашнего пространства, со светом и воздухом, просачивающимися в комнаты через массивные архитектурные гаши в здании, вызывая как его собственный, так и всеобщий распад семьи. Фильм и его последующие книги, фотографии и эскизы предоставляют документацию о событии, а также действуют для самой работы и являются ее частью, в то время как элементы его практики «анархиктуры», включая крупномасштабные фрагменты зданий и другие обломки, иногда выставлялись в качестве инсталляций в галереях и институциональных пространствах.

5. Джуди Чикаго

Памятник женской истории, художнице и писательнице-феминистке Джуди Чикаго (1939-) Художественная инсталляция «Званый ужин» состоит из массивного треугольного банкетного стола из тридцати девяти мест. По обе стороны треугольника есть 13 настроек, представляющих числа, присутствующие в традиционном ведьмовом ковене. Каждая глубоко персонализированная и характерная обстановка чтит историческую или мифическую женскую фигуру: включая художников, богинь, ученых и активистов и содержащую причудливо вышитую бегунью, чашу, посуду и фарфоровые тарелки, окрашенные фарфором. Тарелки имеют йоническую природу, с формами в стиле бабочки, представляющими женственность почетных гостей на Званом ужине, а бегуны вышиты на месте в стиле и технике того женского времени в истории. Пол, на котором сидит стол, чествует еще 999 женщин, чьи имена начертаны золотом на белой плитке. Первоначально передвижная выставка, произведение было создано при содействии более 400 добровольцев (в основном женщин), которые внесли свой вклад в рукоделие и скульптурный опыт, и теперь его можно найти в постоянной коллекции Центра феминистского искусства Бруклинского музея.

6. Джейсон Роудс

Начиная с 1994 года художник из Лос-Анджелеса Джейсон Роудс (1965-2006) стал художником-инсталлятором. Его первая инсталляционная работа, Swedish Erotica and Fiero Parts (1994), состояла из обыденных предметов, таких как картон, дерево и пенополистирол, окрашенных в желтый цвет и собранных для ссылки на географический и культурный ландшафт Лос-Анджелеса. Его вторая работа и, возможно, одна из самых известных, My Brother/Brancuzi, была создана для Биеннале Уитни 1995 года. Сопоставив спальню своего брата со студией известного художника-модерниста Константина Бранкузи, он смог отдать дань уважения наследию реди-мейдов Дюшана с помощью обыденных пригородных материалов. Роудс создал еще много художественных инсталляций на протяжении всей своей карьеры до своей безвременной смерти, раздвигая границы социальных условностей и нарушая негласные правила общественной порядочности.

7. Кара Уокер

Наиболее известная своими монументальными монохромными силуэтами размером с комнату, инсталляция американской художницы Кары Уокер (1969-) затрагивает такие темы, как пол, сексуальность, раса и насилие в ее работах. Ее инсталляционное искусство часто сопровождается длинными, грандиозными названиями, в том числе «Исчезнувший: исторический роман гражданской войны, как она произошла в сумеречных бедрах одной молодой негритянки и ее сердца» (1994) и «Конец дяди Тома и великая аллегорическая картина Евы на небесах» (1995) и вызывает манеру исторических картин, посвященных знаменательным событиям. Ее инсталляции можно рассматривать как исторические аллегории, показывающие физические и сексуальные ужасы рабства и расовых преследований, буквально поглощающие аудиторию в повествовании, когда они разыгрываются на стенах комнаты, в которой они стоят. Использование Силуэта Уокер дает достаточно информации о ее историях, в то же время будучи достаточно расплывчатым для интерпретации, редуктивной формой, которая напоминает стереотипы о чернокожих американцах, которые она стремится раскрыть.

8. Дорис Салкедо

«Мы утратили способность скорбеть… Я хочу, чтобы моя работа играла роль похоронной речи, почитания этой жизни».

Дорис Сальседо, январь 2015 г.

Используя фасад Дворца правосудия Боготы в качестве своего холста, огромная работа колумбийского художника-инсталлятора Дорис Сальседо Noviembre 6 y 7 (2002) была актом памяти к 17-й годовщине осады дворца партизанами М-19 и последующей контратаки правительства в 1985 году. Сосредоточенная на признании и воспоминании о насильственных смертях, работа Сальседо подчеркнула эту тему в своей работе о жертвах гражданской войны в Колумбии, а также о жертвах насилия с применением огнестрельного оружия в Чикаго. Ее поэтические произведения часто монументальны по размеру, заставляя ее аудиторию, которая часто состоит из невольных прохожих, вспоминать эти насильственные действия и участвовать в акте траура.

9. Томас Хиршхорн

«Разрушение трудно. Это так же трудно, как и творение».

Антонио Грамши (итальянско-марксистский теоретик и вдохновение для «Промежуточного» Хиршхорна)

Создавая политические заявления из обыденных, повседневных ремесленных материалов, инсталляции швейцарского художника Томаса Хиршхорна и публичные произведения легендарны благодаря количеству внимания, которое они получают. Скульптурные конструкции Хиршхорна из массовых товаров отсылают к работам радикальных теоретиков, таких как Жиль Делез и убеждения Жоржа Батая о капитализме и потребительстве. Его работы, такие как «Памятник Грамши», крупная общественная инсталляция, проводимая в лесных домах Нью-Йоркского жилищного управления в Бронксе, создают альтернативные антиутопические реалии для его потребителей; держа зеркало перед повседневной жизнью, на которое можно размышлять и реагировать. Его более поздняя работа In-Between (2015) основана на его исследованиях поврежденных бомбами мест по всему миру; и является выражением глубоко укоренившегося человеческого увлечения разрушениями и насилием, которое происходит от многих форм: катастрофы, структурных сбоев, коррупции, гибели людей или войны.

10. Урс Фишер

Урса Фишера (2007) принес трансформацию через разрушение в ранее стандартное пространство галереи Нью-Йорка. Фишер вырвал бетонный пол галереи и заполнил пустоту ямой грязи, создав кратер размером 30 на 38 футов глубиной восемь футов в некогда нетронутой галерее с белыми стенами. Создание этого чуждого, но чрезвычайно естественного ландшафта обеспечило крайне неожиданную среду в этом контексте; непосредственное чувство опасности в сочетании с осознанием того, что там, где когда-то был пол, теперь есть пустота. Стоя на краю работы, зритель сидит над ней и может увидеть перспективу, которая одновременно фетишизирует и отвергает традиционное пространство галереи через его снос