Лэнд-арт — это практика или форма художественного производства, которая использует природные материалы или размещает работу снаружи в различных условиях, чтобы каким-то образом взаимодействовать с природой. Иногда известное также как экологическое искусство или даже земляные работы, движение лэнд-арта возникло в 1960-х годах и приобрело популярность и импульс в течение следующего десятилетия. Лэнд-арт даже изменил определение того, чем может быть произведение искусства, так же, как это было сделано в начале века, но в дополнение расширил границы искусства с точки зрения используемого материала и его размещения. Хотя ключевым элементом лэнд-арта часто была его монументальность и его положение в контексте, специфичном для конкретного места, оно также тесно связано с концептуальным искусством в том смысле, что планирование и фотодокументация исполнения и окончательных результатов часто могут быть выставлены в контексте галереи, даже если сама работа находится в другом месте.
В течение 1960-х и 1970-х годов, периодов драматических беспорядков, политического разжигания и социального протеста, лэнд-арт стремился критиковать и выступать против открытой коммерциализации искусства и культуры. В силу самой своей природы лэнд-арт может отвергнуть музей или галерею как принятое место для размещения и исследования художественного производства, в то же время сосредоточившись на объектности материалов, тесно перекрываясь с некоторыми проблемами минимализма, немного более ранним предшественником которого лэнд-арт иногда считается своего рода ответвлением.
Несмотря на то, что озабоченность движения лэнд-арта была сосредоточена вокруг отказа от коммерциализации художественного творчества, вполне вероятно, что эта возникающая тенденция не набрала бы оборотов без растущего экологического движения того времени. Совпадая с этим отказом от урбанизма и связанного с ним жизненного выбора, лэнд-арт часто поддерживал различные утопические и духовные стремления к планете Земля как дому человечества
Лучшие представители Ленд-Арта
Роберт Смитсон
Ни один обзор лэнд-арта не будет полным без включения основополагающего вклада Роберта Смитсона. После ранней карьеры художника, где он находился под влиянием художников-экспрессионистов в центре Нью-Йорка, Смитсон изменил свою практику в 1964 году, когда его работы стали под влиянием и согласованы с работами минималистов. Его новая работа этого времени начала использовать комбинации материалов для формирования трехмерных скульптурных композиций, что привело к серии «не-сайтов» работ, в которых земля и камни, собранные из походов в определенную область, были установлены в галерее в качестве скульптур, часто включающих карты, бункеры, зеркала, стекло и неон. Смитсон стал наиболее известен благодаря земляным работам Spiral Jetty (1970), Broken Circle / Spiral Hill (1971) и Amarillo Ramp (1973). С помощью этих монументальных сооружений он навсегда изменил полученные представления о скульптурной форме в современном искусстве, полностью удалив искусство из контекста галереи, переместив его в некультивированный ландшафт и его часть. Провокатор по натуре, Смитсон был очарован концепциями дуальности и энтропии. Спиральная пристань — это земляная скульптура, построенная в апреле 1970 года и построенная на северо-восточном берегу Большого Соленого озера недалеко от Розел-Пойнт в штате Юта полностью из грязи, кристаллов соли и базальтовых пород. Работа образует катушку длиной 1 500 футов (460 м) против часовой стрелки, выступающую с берега озера. Потребовалось шесть дней, чтобы построить и несколько единиц тяжелой строительной техники, чтобы перетащить 6 650 тонн камня и земли в озеро. На самом деле работа была построена дважды; После обдумывания результата в течение двух дней Смитсон вызвал экипаж обратно и изменил форму до ее нынешней конфигурации, усилие, требующее перемещения 7000 тонн базальтовой породы в течение дополнительных трех дней строительства. Во время своего пожертвования Dia Art Foundation в 1999 году Spiral Jetty провела большую часть своего существования, погруженная под воды озера и едва заметная, кроме воздуха. Однако, начиная с начала 2000-х годов, длительная засуха в штате Юта привела к снижению уровня воды, и Спиральная пристань стала видимой в течение первого длительного периода в своей истории
Нэнси Холт
Нэнси Холт была американской художницей, наиболее известной своей публичной скульптурой, инсталляцией и лэнд-артом. На протяжении всей своей карьеры Холт также создавала работы в других средствах массовой информации, включая кино и фотографию, и писала книги и статьи об искусстве. В 2017 году был основан Фонд Холта / Смитсона, чтобы продолжить творческий и исследовательский дух ее и ее мужа Роберта Смитсона, которые за свою карьеру разработали инновационные методы исследования наших отношений с планетой, в основном путем расширения границ монументальной земляной и скульптурной практики. Она начала свою художественную карьеру в качестве фотографа и видеохудожника, и именно с этой точки зрения она подошла к своим более поздним земляным работам, которые были задуманы как устройства для отслеживания положения Солнца, Земли и звезд, а также для связи этих небесных элементов с фиксированной точкой на Земле. Сегодня Холт наиболее широко известна своими масштабными экологическими работами, Солнечными туннелями и Парком Темных Звезд. Солнечные туннели состоят из четырех массивных бетонных туннелей (18 футов в длину и девять футов в диаметре), которые расположены в пересекаемой конфигурации, образуя общую длину 86 футов (26 м) вдоль каждой оси. Каждый туннель реагирует на солнце по-разному, в соответствии с восходом солнца, закатом, летним или зимним солнцестоянием. Посетители, приближающиеся к месту, могут увидеть туннели с расстояния до двух километров, поскольку массивные бетонные формы сильно отличаются от бесплодной плоскости, на которой они расположены. Туннели не только обеспечивают необходимое укрытие от палящего солнца пустыни, но и, оказавшись внутри, можно увидеть ослепительные световые эффекты внутри туннелей. Вершина каждого туннеля имеет небольшие перфорации, образующиеся по-разному на каждом созвездии Дракона, Персея, Колумбы и Козерога соответственно. Диаметры отверстий различаются по отношению к величине представленных звезд. Эти отверстия отбрасывают пятна дневного света в темных интерьерах туннелей, которые выглядят почти как сами звездные созвездия, проецируемые на внутреннюю поверхность
Вальтер де Мария
Исследуя связь между относительным и абсолютным, Вальтер де Мария использовал геометрические формы для создания серии повторений в своих скульптурах, инсталляциях и земельных работах. Получив первоначальное образование художника, он быстро повернул свое искусство в сторону скульптуры с практикой на пересечении минимального искусства, концептуального искусства и лэнд-арта. Под влиянием своих сверстников, таких как Дональд Джадд и дадаизм, супрематизм и конструктивизм, он развил свой интерес к интерактивным, сериализованным и пронумерованным скульптурам. Используя основные геометрические компоненты и следуя математическим последовательностям, он упорядочил формы для создания серии повторений. Его работы из литой и полированной стали, установлены в полигональных структурах, которые передают зрителю ощущение абсолюта. Его самая известная наземная работа, Lighting Field (1977), представляет собой сетку размером одна миля на один километр, установленную в отдаленном районе пустыни Нью-Мексико. Сетка состоит из четырехсот полированных столбов из нержавеющей стали, высотой более двадцати футов и с заостренным наконечником, определяющим горизонтальную плоскость, точку притяжения для ударов молнии. Посетитель может как ходить внутри решетки, так и смотреть издалека и подвергаться физическому и психическому опыту. Искусство, пейзаж и природа встречаются в серии интенсивных оптических эффектов, которые меняются в зависимости от времени и пространства
Майкл Хейзер
Хорошо известный своей способностью создавать крупномасштабные работы и исследовать отношения между положительным и отрицательным пространством, Майкл Хейзер был видной фигурой движения лэнд-арта с двадцати лет в конце 1960-х годов. Благодаря своим монументальным раскопкам и сооружениям Хейзер анализирует масштаб и формы, чтобы построить работы, вызывающие страх и трепет в то же время способные пережить человечество. Начав свою карьеру с того, что он назвал «негативной живописью», серией фигурных полотен, он сделал свою первую негативную земельную работу «Север, Восток, Юг, Запад» в конце 1960-х годов. Эта работа состояла из серии геометрических ям, вырытых в пустыне Сьерра-Невада, и представляла собой его первый набег на монументальные земляные работы.
С тех пор Хейзер реализовал несколько крупномасштабных проектов, включая «Девять депрессий Невады» (1968), «Примитивные картины с красителем» (1969) и «Двойной негатив» (1969). В 1972 году Хейзер начал работать над своим самым амбициозным памятником, magnum opus под названием City. Расположенный в пустыне Невада, этот земельный труд / скульптура / памятник цивилизации вдохновлен индейскими традициями и древними доколумбовыми ритуальными городами, такими как Теотиуакан. Проект имеет длину в полторы мили и построен из камней, песка и бетона, в основном добытых из окружающей земли и смешанных на месте. Построенный более четырех десятилетий, City близится к завершению и откроется для публики в 2020 году.
Ана Мендьета
Эта кубинская художница-феминистка известна как одна из пионеров лэнд-арта, особенно за то, как человеческое тело соотносится с природой и возвращается к ней. С производством более 200 работ, Мендьета использовала свое тело и землю в качестве среды для создания спорных скульптур. Ее работы многослойны и очень философски, связаны с несколькими художественными движениями, такими как перформанс и боди-арт, концептуализм и лэнд-арт. Наследие художника рассказывает историю человеческого равенства, циклических последовательностей между жизнью и смертью и вездесущей силы матери-природы.
Благодаря своей серии фотографий и видео Silueta (1973-1980), Мендьета стала одним из пионеров земного искусства. В этом проекте художница смоделировала свое тело в разные пейзажи, чтобы показать неразрывную связь между землей и человеческой природой. Путешествуя в течение нескольких лет по Айове и Мексике, Мендьета использовала натуральные материалы, чтобы связать свое тело с четырьмя элементами, чтобы закрепиться в матери-природе. Этот многослойный диалог между пейзажем и плотью стал для художника способом изменить фрагментированную идентичность угнетенной женщины-художницы, политику идентичности беженцев и вопросы экологии и тела.
Агнес Денес
Агнес Денес — американская концептуальная художница венгерского происхождения, живущая в Нью-Йорке. Она известна работами в широком спектре средств массовой информации — от поэзии и философских произведений до сложных диаграмм, обработанных как вручную, так и компьютером (которые она называет визуальной философией), скульптурой и международными экологическими инсталляциями, такими как Wheatfield — A Confrontation (1982), двухакровое пшеничное поле в центре Манхэттена. Родилась в Будапеште, Венгрия в 1931 году, ее семья пережила нацистскую оккупацию и переехала в Швецию в середине 1940-х годов. Когда она была подростком, они снова переехали в Соединенные Штаты. Она сказала, что начала сосредотачиваться на изобразительном искусстве, потому что повторяющиеся изменения в языке, с которыми она была вынуждена столкнуться в годы становления, поставили под угрозу ее вербальные навыки.
Основная фигура среди концептуальных художников, которые появились в 1960-х и 1970-х годах, Денес был пионером нескольких художественных движений, часто одновременно исследуя науку, экологию, философию, лингвистику, психологию, поэзию, историю и музыку. Будучи одним из первых практиков экологического искусства, она создала Rice/Tree/Burial в 1968 году в округе Салливан, штат Нью-Йорк, который, по словам известного искусствоведа и куратора Питера Селца, был «вероятно, первым крупномасштабным произведением, специфичным для места».
Ее основополагающей работой считается Wheatfield – A Confrontation, которая катапультировала осознание ее практики к международной известности. Он был создан в течение четырехмесячного периода весной и летом 1982 года, когда Денес при поддержке Общественного художественного фонда посадил поле золотой пшеницы на двух акрах усыпанной щебнем свалки возле Уолл-стрит в нижнем Манхэттене (ныне место Бэттери-Парк-Сити и Всемирного финансового центра). В мае 1982 года после нескольких месяцев подготовки пшеничное поле было засеяно в двух кварталах от Уолл-стрит и Всемирного торгового центра и обращено к Статуе Свободы. Было привезено двести грузовиков с грязью и 285 борозд, очищенных от камней и мусора и выкопанных вручную. Семена вручную посеяны, а борозды покрыты почвой. Поле поддерживали в течение четырех месяцев, пропалывали, удобряли, опрыскивали и настраивали систему орошения. Урожай был собран 16 августа 1982 года, когда он дал более 1000 фунтов здоровой золотой пшеницы
Милтон Бесерра
Милтон Бесерра — венесуэльский художник, который стал пионером этой формы искусства в Латинской Америке в 1970-х годах. С 1973 по 1980 год он был ассистентом в мастерских известных мастеров Карлоса Крус-Диеса и Хесуса Сото. Он участвовал в своей первой групповой выставке, когда он был еще студентом, изучая такие направления, как Concrete, Neo, Kinetic, Generative и Op-art. В 1973 году он открыл свою первую персональную выставку, основанную на расположении различных шестиугольных модулей в пространстве на основе теории Белого куба Казимира Малевича, а также на логико-философской концепции Tractatus Людвига Витгенштейна; исследование цветов, их поведения в пространстве и деления форм по цветовым диапазонам. Чрезвычайно привязанный к венесуэльской культуре и амазонской экологии, Бесерра применил свою художественную практику к конкретно политической повестке дня, связанной с экологическими проблемами, характерными для региона. В 1970-х годах Бесерра создал «Одеяло для луга» в жилом районе Каракаса, Ломас-де-Прадос-дель-Эсте; и «Анализ процесса во времени», в котором он осудил последствия загрязнения и его ухудшение ландшафта. К 1980-м годам Бесерра переехал в Париж и разработал новую перспективу, основанную в основном на его исследованиях и восприятии обычаев амазонского племени яномами. Именно тогда его фирменные работы с пряжей, тканью и светом были переплетены с другими органическими элементами, такими как камни, и привели его к разработке серий Chin-cho-rro (1995), Gotas (Drops 1990) и Nidos (Nests 1995)
Кристо и Жанна-Клод
Практика преобразующей обертки является отличительной чертой этой пары лэнд-арта. Благодаря захватывающему масштабу и монументальным экспозициям тканей и пластика, они создали множество визуально впечатляющих и часто противоречивых крупномасштабных работ на открытом воздухе. С целью полностью превратить пейзаж в совершенно новую среду и скульптурную форму, а также вызвать непосредственное и мощное эстетическое воздействие на посетителя, состоящее как из возвышенного, так и из радости в красоте, временные скульптуры на открытом воздухе заставили пересмотреть потенциал и влияние лэнд-арта.
Ранее приписываемые только Кристо, художественные проекты на открытом воздухе были задним числом аккредитованы как Кристо, так и его женой Жанной-Клод в 1994 году. Их самые известные монументальные проекты включают в себя обертывание миллиона квадратных футов береговой линии недалеко от Сиднея, Wrapped Cost (1968-69); Valley Curtain (1970 – 72), 400-метровая ткань, натянутая через Rifle Gap; Бегущий забор высотой 5,5 метра и длиной 39,4 километра (1972-76), Окрестные острова (1980-83). В этой работе 603 870 квадратных метров плавающей розовой пропиленовой ткани были сплавлены по воде, чтобы окружить одиннадцать островов в заливе Бискейн, Майами. Последние проекты включают The Gates, (2005) в Центральном парке, штат Нью-Йорк.
После смерти Жанны-Клод в 2009 году Кристо продолжил заниматься проектами пары, включая Big Air Package (2013), The Floating Piers (2016) и The London Mastaba (2018)
Ричард Лонг
Этот британский скульптор вошел в пантеон лэнд-арта, сделав пейзаж основным полем своего творчества. В конце 1960-х годов, движимый желанием использовать пейзаж по-новому, художник начал свое непосредственное взаимодействие с природой, используя свою прогулку в качестве среды. В серии повторяющихся движений или долгих одиночных прогулок Лонг стремился сломать язык и амбиции искусства и вывести его на более примитивный, личный и элементарный уровень. Его цель состояла в том, чтобы лично представить потенциал чистого диалога между человеком и природой.
Предметами этого радикального концептуального лэнд-арт проекта являются время, пространство и расстояние, растянутые до огромных масштабов. С 1969 года Лонг начал изучать свою практику ходьбы в диких регионах по всему миру, включая проект в Альпах. В 1980-х годах, преследуя свои крупные проекты скульптуры, Лонг начал использовать натуральные материалы в помещениях. Он создавал скульптуры из органических материалов или глиняных картин, используя отпечатки рук, нанесенные на стену. Преследуя понятие искусства как временного объекта, он работает со сланцем, корягами или камнями, часто полученными в их первоначальной обстановке. Эти круги и линейные произведения искусства эфемерны и сделаны так, чтобы быть восстановленными природой. Единственными записями проектов являются фотографии, карты и текстовые работы, в которых Лонг собирает названия мест, записи материалов и измерения времени и расстояний.
Его самая первая работа по лэнд-арту, A Line Made by Walking (1967), представляет собой начало использования Лонгом прогулки в качестве среды. Эта прямая линия в травяном поле представляет собой скульптуру, созданную из постоянного и повторяющегося движения художника, где композиционный элемент состоит исключительно из сломанной травы, сопоставленной с незатронутыми участками по обе стороны пройденной по полосе
Энди Голдсуорси
Работая с природой и с природой, Энди Голдсуорси является выдающимся скульптором и фотографом лэнд-арта. Он фокусируется на создании проектов, которые усиливают красоту природы, влияние времени и отношения между человеком и землей. Следуя концепции, что люди являются неумолимой частью природы, Голдсуорси использует землю в качестве соавтора своей минималистичной эстетической практики.
Его работы можно разделить на постоянные и временные проекты. Последние сделаны из органических и эфемерных материалов и, следуя жизненному циклу, предназначены для исчезновения. Через ветви, листья, камни и лед он создает несколько повторяющихся узоров, таких как спирали, круги или извилистые линии. Эфемерность, лежащая в основе этих проектов, является отражением постоянно меняющегося природного мира и хрупкой экологии. Единственная документация, которая осталась, это цветные фотографии, сделанные художником.
Его более поздние постоянные инсталляции отличаются масштабом, напряжением и долговечностью, но они всегда представляют собой фундаментальное исследование окружающего ландшафта и красоты присущих ему материалов.
В последние годы Голдсуорси начал изучать практику исполнительского искусства, задуманную им как личные действия, часто в общественных местах.