Авангард – искусство, которое ломает барьеры
Мы, художники, будем служить вам авангардом, сила искусства самая непосредственная: когда мы хотим распространять новые идеи, мы вписываем их на мрамор или холст
Анри де Сен-Симон
Что такое авангардное искусство?
Первоначально французский термин, обозначающий авангард армии, слово «авангард» вошло в художественный словарь во Франции начала 19-го века, чтобы указать любого художника, движение или произведение искусства, которое разрабатывает экспериментальные концепции, процессы и формы, ставящие под сомнение статус-кво.
Радикальное по своей природе, авангардное искусство раздвигает ранее существовавшие границы и преследует неизведанные художественные пути.
Происхождение авангарда
Именно политический, экономический и социалистический теоретик Анри де Сен-Симон был первым, кто, веря в социальную силу искусства, провел аналогию между радикальными художественными практиками и наступающим военным формированием: «Мы, художники, будем служить вам авангардом, сила искусства наиболее непосредственна: когда мы хотим распространять новые идеи, мы вписываем их на мрамор или холст. Какая великолепная судьба для искусства состоит в том, чтобы осуществлять позитивную власть над обществом, истинную жрецовую функцию и маршировать в авангарде всех интеллектуальных способностей!»
Первоначально привязанная к социальным и политическим идеалам, концепция авангарда впоследствии сместилась в сторону радикальной эстетики и техники.
Авангардные художественные движения
Применительно к искусству термин авангард относится ко всему, что опережает свое время. В этом смысле вчерашние радикалы стали мейнстримом сегодня, создавая среду для появления нового поколения новаторов. Тем не менее, идея «авангарда» часто ассоциируется с началом современного искусства и рассматривается многими как исключительно связанная с модернизмом, поэтому указывает на все те художественные движения, которые между концом девятнадцатого и началом двадцатого веков шли вразрез с традиционным взглядом на искусство и инициировали культурную революцию, следуя программному и новаторству набору целей. В этом свете истоки авангардного искусства также являются истоками современного понятия «художественного движения». Как сказал современный философ Ален Бадью, «более или менее все искусство двадцатого века претендует на авангардную функцию».
Вот некоторые из основных авангардных художественных движений двадцатого века:
- Абстрактный экспрессионизм
- Конструктивизм
- Кубизм
- Дадаизм
- Экспрессионизм
- Футуризм
- Импрессионизм
- Минимализм
- Поп
- Сюрреализм
- Супрематизм
- Символизм
Известные авангардные работы в современном искусстве
Черный квадрат» Казимира Малевича, 1915
В 1915 году Казимир Малевич взял холст среднего размера, покрасил его белым по краям, а средний квадрат заполнил густой черной краской. Этим, казалось бы, простым поступком Малевич стал автором самого впечатляющего и ужасающего произведения искусства того времени. По его словам, его «Черный квадрат» свел все к «нулю формы». Это было его открытие и принятие той критической точки, из-за которой и за которой все остальное перестает существовать, ничто не может существовать.
Ангелус Новус Пауля Клее,1920
Пауль Клее был молодым художником, когда он создал Angelus Novus,ангела, сделанного с помощью самостоятельно разработанной техники переноса масла Клее и акварели на бумаге в 1920 году, вскоре после окончания Первой мировой войны. Едва известный при жизни, Ангелус Новус стал самой известной картиной Клее, в основном из-за исключительной истории ее связи с немецко-еврейским философом и критиком Вальтером Беньямином. Бенджамин купил Angelus Novus в 1921 году, часто ссылаясь на работу как на свое самое ценное достояние
Герника Пабло Пикассо,1937
26 апреля 1937 года, в самый разгар гражданской войны в Испании, немецкая и итальянская армии бомбили баскский город Герника в качестве демонстрации поддержки националистическим силам, которые сражались против правительства Второй республики. Культовая картина Пикассо была одним большим криком протеста против ужасов гражданской войны в Испании и предостережением о том, что вскоре должно было стать Второй мировой войной. Из-за интенсивности каждого страдающего персонажа в их приглушенных цветах и искаженных выражениях Герника вскоре стала эмблемой всех трагедий современного мира.
Пьеро Мандзони, 1961 Merda d’artista
Выпущенная в 1961 году, серия Manzoni Merda d’artista состоит из девяноста банок дерьма, каждая из которых имеет числовую маркировку, как и следовало ожидать, набор отпечатков, с немецкими, французскими и английскими названиями, описывающими банок как «дерьмо художника». В письме к коллеге-художнику и другу Бену Вотье Мандзони с юмором предположил, что «если коллекционеры хотят чего-то интимного, действительно личного для художника, есть собственное дерьмо художника, которое действительно его». Следуя давней концептуальной традиции, в которой зрителям бросают вызов переоценить свои предубеждения или взгляды на знакомые объекты, Мандзони пошел еще дальше, не пытаясь скрыть содержание работы, а скорее провоцировать и противостоять набору ожиданий, которые мы привносим в искусство и пространство галереи.
Спиральная пристань Роберта Смитсона, 1970
Роберт Смитсон был одним из художников, которые навсегда изменили представления о скульптурной форме в современном искусстве, полностью удалив искусство из контекста галереи, переместив его в некультивированный ландшафт и часть его. Его спиральная пристань — это земляная скульптура, построенная в апреле 1970 года и построенная на северо-восточном берегу Большого Соленого озера недалеко от Розел-Пойнт в штате Юта полностью из грязи, кристаллов соли и базальтовых пород. Работа образует катушку длиной 1 500 футов (460 м) против часовой стрелки, выступающую с берега озера. Потребовалось шесть дней, чтобы построить и несколько единиц тяжелой строительной техники, чтобы перетащить 6 650 тонн камня и земли в озеро. Работа была фактически построена дважды; После обдумывания результата в течение двух дней Смитсон вызвал экипаж обратно и изменил форму до ее нынешней конфигурации, усилие, требующее перемещения 7000 тонн базальтовой породы в течение дополнительных трех дней строительства.
Мне нравится Америка, и Америка любит меня, Джозеф Бейс, 1974
В своей основополагающей работе «Мне нравится Америка и Америка любит меня»немецкий художник Йозеф Байс провел три дня подряд, живя, общаясь и формируя отношения с койотом. Койот был одним из самых важных символов в мифологии коренных американцев, но европейские поселенцы рассматривали его как вредителя, которого нужно искоренить. Этим действием Бойс считал, что он помогает залечить расовые и экономические раны Америки. Этот перформанс был одним из примеров того, что он назвал своими «социальными скульптурами», действиями, направленными на изменение общества к лучшему, и был одним из его первых действий, чтобы использовать свою художественную практику в качестве форумов для своих политических и экологических убеждений.
Не открытый гений дельты Миссисипи Жана-Мишеля Баскии, 1983
К 1983 году, когда Баския написал «Неоткрытый гений дельты Миссисипи»,он уже считался художником в авангарде вновь возникающего художественного сознания, которое возродило ценности живописного экспрессионизма как нового аспекта постмодернистского художественного производства. Пятипанельная картина шириной 4,5 м сочетает в себе текст, изображение, цвет и форму в фирменном стиле Баскии, насыщая каждую поверхность холста. В «Неоткрытом гении»художник легко перемещается между коллективной историей, личной историей, памятью и эмоциями, переопределяя жанр исторической живописи, помещая себя в работу как Рис. 23 (Баскии исполнилось 23 года, когда он написал «Неоткрытый гений»).
Дом с видом на океан Марины Абрамович, 2002
В 2002 году самозваная «бабушка перформанса» Марина Абрамович жила на трех площадках в течение 12 дней, состоящих из трех блоков, представляющих ее дом — ванной комнаты, гостиной и спальной комнаты — установленных в галерее Шона Келли в Нью-Йорке. Для Абрамович «Дом с видом на океан» был экспериментом по личному очищению через ограничения и попыткой сместить как собственное энергетическое поле, так и поле аудитории. За 12 дней перформанса художник ни разу не покидал галерею, не ел никакой еды и не пил ничего, кроме воды. Каждый день художница надевала разноцветный наряд, и все, что она делала, включая душ, сон и использование туалета, было открыто для глаз зрителей, способных наблюдать за ней через мощный телескоп. Спектакль был задуман как подарок для Нью-Йорка после 9/11, с помощью которого Абрамович стремился обеспечить безопасное пространство внимания, связи, отдыха и медитации — побег от подавляющего страха и замешательства того периода
Джона Леннона и Йоко Оно 1969 Bed-In for Peace
«Bed-in for Peace» Йоко Оно с покойным мужем Джоном Ленноном остается одним из самых известных перформативных мирных действий всех времен.
Впервые состоявшиеся в отеле Hilton в Амстердаме в течение двух недель во время медового месяца пары в 1969 году, а затем снова в отеле Queen Elizabeth в Монреале, эти выступления были задуманы как ненасильственные антивоенные протесты в свете продолжающейся войны во Вьетнаме. Леннон и Оно пригласили репортеров в свою гостиничную спальню, чтобы публично провести свою постель и противостояние войне во Вьетнаме